版画

版画とは、版を使って作品を刷り出す美術技法の総称です。木・金属・石・布などの版面に絵や線を刻み、インクをのせて紙に転写します。手作業による刷りのため、一枚ごとに微妙な表情が異なり、独自の味わいが生まれます。

主な種類には、温かみのある木版画、繊細な線を表すエッチング(銅版画)、絵画のような表現ができるリトグラフ（石版画）、鮮やかな色面が特徴のシルクスクリーンなどがあります。

日本では浮世絵から現代の創作版画まで多彩に発展し、西洋ではピカソやミロらが版画の新たな可能性を拓きました。版画は、絵画と印刷のあいだにある芸術として、世界中で愛好されています。

版画の起源は、絵や文字を同じ形で何枚も刷るための技術として誕生しました。
最初は中国で、漢代（紀元前後〜）に石碑や金属器などに刻まれた文字・文様の凹凸を紙に写し取る技法として「拓本」が使われました。
やがて唐代（7世紀〜）には木の板に文字や絵を彫って紙に写す「木版印刷」が発達します。
この技術はやがて日本にも伝わり、経文やお札を刷るのに使われました。
つまり、最初の版画は「芸術」ではなく「印刷の道具」だったのです。

一方ヨーロッパでは、宗教画を多くの人に配るために版画が使われました。ウッドカット(木版)から始まり、のちに金属を使うエッチング(銅版画)が登場します。ルネサンスの画家たち、デューラーやレンブラントなどは、版画を「複製」ではなく、自分の表現手段として使うようになりました。
この頃から、版画が芸術作品としての地位を持ち始めます。

日本では江戸時代に木版多色刷りが完成し、浮世絵が爆発的に広がりました。歌川広重や葛飾北斎などが描いた風景・美人・役者絵は、「一枚の絵で庶民に夢を届ける」大衆芸術でした。日本の版画は、構図の斬新さや色彩の美しさで、のちにヨーロッパの印象派（モネ、ゴッホなど）にも大きな影響を与えました。

明治時代になると、西洋の技術が入り、「版画を職人が刷るのではなく、画家自身が創る」という考え方が生まれます。これが創作版画運動です。その中心となったのが恩地孝四郎や棟方志功などの芸術家たちです。彼らは自ら彫り、刷り、表現の自由を追い求めました。この時期に、日本の版画は世界的にも高く評価されるようになります。

戦後は、版画がより自由な芸術へと進化しました。リトグラフ(石版画)、シルクスクリーン、コラグラフなど多様な技法が広がり、ピカソ、ミロ、ウォーホルらが現代的な表現を展開します。日本でも池田満寿夫、斎藤清、浜口陽三などが国際的に活躍しました。

今日では、デジタル技術も取り入れた現代版画が登場し、版を介して生まれる表現として、時代とともに新しい形へと進化し続けています。